Sus investigaciones le han situado como uno de los pensadores clave del siglo XX, en lo que respecta al color. Ha contribuido en gran medida a la posibilidad de repensar las relaciones entre el artista, el espectador y el arte, enmarcándolas en un proceso participativo basado exclusivamente en el uso del color. En 1959 Cruz-Diez inició un proceso seriado bajo el nombre de Fisicromías, a través del cual, realizó la idea de autonomía cromática y su impacto en el entorno del espectador; uno de los resultados fue un importante cuerpo de trabajo que en décadas posteriores superó los límites de la pintura y exploró la transformación de diversos espacios a través de la manipulación del color.

Su obra hace hincapié en la participación e interacción, la percepción espacial y el movimiento como elementos clave de la experiencia del arte.

Jesús Rafael Soto fue uno de los principales representantes del arte cinético. A lo largo de su carrera, destacó por la redefinición del papel social del arte, basada en una amplia investigación sobre la unidad espacio-temporal del objeto artístico.

Tras estudiar Bellas Artes en Caracas, se trasladó a París en 1950, donde se unió a Los Disidentes, un colectivo de artistas venezolanos que buscaba renovar las prácticas artísticas en su país de origen. Aunque se le ha asociado comúnmente con el Op Art, la obra de Soto se caracteriza más bien por el estudio continuo del movimiento y la desmaterialización de la forma, produciendo construcciones cinéticas en las que la participación activa del espectador es clave.

Las esculturas móviles de Elias Crespin se caracterizan por ser complejos ensamblajes geométricos que, mediante programación informática, dibujan coreografías en el espacio. Los movimientos que componen las danzas tienen un carácter orgánico a pesar de que su origen está en fórmulas matemáticas. Las piezas se modifican de forma casi imperceptible, mostrando sus posibilidades de articulación, descomposición y recomposición.

Que la cualidad cinética se origine en la propia obra no impide la participación del espectador, ya que las perspectivas particulares de los espectadores también modifican la forma de ver la pieza. Este es el carácter cooperativo de la obra, que convierte a la escultura en un momento de interacción entre el sujeto y un objeto que a su vez es móvil.

La obra de Felipe Pantone conserva la vocación pública del grafiti, de las comunidades urbanas en diálogo con la propia ciudad. La abstracción, utilizada en un principio como marca estilística, se vierte hacia los referentes de una actualidad llena de infografías, estadísticas y representaciones visuales de datos que sintetizan vastas realidades en formatos rápidamente reproducibles.

Pantone, en este sentido, reproduce constantemente la saturación de nuestra experiencia visual contemporánea, haciendo importantes ecos de la obra modernizadora del arte cinético y su investigación de la percepción basada en las teorías actuales de la vista. Hoy, en este mundo acelerado de la producción industrial (de la luz, del color, de las experiencias visuales antes imposibles), Pantone desequilibra el discurso naturalista del arte cinético para devolver la inserción cultural a la percepción, el reconocimiento de un determinado tipo de combinación cromática como un glitch, como un fallo tecnológico, o de otra combinación como un código subyacente al funcionamiento de cualquier impresora de papel, y ya no como experiencias más allá de la cultura. Al fin y al cabo, la cultura también es tecnología.

La serie de Darío Escobar titulada Construcciones Geométricas examina la abstracción geométrica en la segunda mitad del siglo XX, utilizando como punto de partida las carrocerías de los camiones de redilas. Estas carrocerías suelen estar pintadas en diferentes estilos: a veces con franjas cromáticas claramente delimitadas, o con diseños dinámicos que juegan con las líneas horizontales y diagonales. Esto se ajusta a una tendencia de abstracción geométrica que tuvo una amplia visibilidad internacional a lo largo de los años cincuenta.

Si se observa la historia del arte abstracto, las obras de Escobar pueden relacionarse con la noción de estructura, que artistas como Frank Stella utilizan en la pintura. Prácticamente todas las piezas de esta serie fueron pintadas sobre estructuras ensambladas. En lugar de utilizar las puertas o cualquier otro componente de los camiones de redilas reales, las superficies de pintura se construyeron siguiendo sus principios. Aunque sin duda evocan una referencia específica (una cosa pintada, como diría Stella), también añaden complejidad a las soluciones pictóricas de cada pieza.

Teniendo en cuenta el tema del simposio Asamblea Alternativa: Impacto ambiental en la era de la pandemia, la Galería RGR decidió incluir en la nómina El invernadero rojo de Patrick Hamilton, que presenta una profunda reflexión sobre la idea de emergencia y las consecuencias del cambio climático en muchos aspectos de la vida en la Tierra.

El punto de partida de El invernadero rojo es la relación del color rojo con momentos duros, tanto desde el ámbito de la ecología como de la economía, y cómo ver el medio ambiente a través de ese color puede ayudarnos a ser conscientes de la urgencia de tomar medidas para frenar los problemas actuales.