Artistas como Azurdia en Guatemala, Mathias Goeritz o Eduardo Terrazas en México, revisitaron el arte originario, tradicional o indígena bajo una consciencia estética moderna, con el fin de producir obras que actualizaran algunos de sus principios formales mediante soluciones perceptuales, cinéticas o dentro del campo de la abstracción geométrica. La investigación de referentes locales en las obras de Escobar es de otra índole. En su caso, lo que parece interesar y subrayar es la presencia de un sentido estético amplio, compartido y que parece expresarse de manera más o menos intuitiva, o poco escolarizada, en el tipo de diseño que se ejecuta sobre las cajas de redilas así como sobre un sinfín de otras superficies materiales y objetos cotidianos, como pueden ser fachadas de casas, a lo largo de América Latina. Esta cuestión se presta a la especulación. Es posible que la ubicuidad y reiteración de estas formas y soluciones geométricas puedan referirse a la supervivencia y actualidad de ciertos arquetipos simbólicos, que se encuentran de manera más definida y conservan significados más claros en el tipo de textiles que inspiraron la obra de artistas como Azurdia o Goeritz en el siglo XX. No obstante, en la actualidad parece que se encuentran en otros registros, de la más diversa índole, y su sentido original se ha transformado. Se podría considerar que esta condición se ha nutrido de una cultura visual de masas compartida que ha estado en operación por muchas décadas. Así, por ejemplo, la figura del rombo se puede modificar extendiendo la longitud de un par de sus lados, rompiendo su regularidad. Su nueva apariencia puede remitir más a un diamante, con un diseño que lo distingue como tal y que cuenta con sus propios significados. A través de esta investigación, Escobar presenta una propuesta de abstracción geométrica que se origina en la atención a una práctica no-especializada, en contraste a los procesos fuertemente racionalizados que, por lo general, definen mucho del legado intelectual de este tipo de pintura en Europa y Estados Unidos a lo largo del siglo XX. Como el artista menciona, “una abstracción que inicia de la intuición y no como una respuesta fuertemente intelectualizada”.[1] Con esto, al mismo tiempo, lanza un cuestionamiento sobre qué tipo de soluciones se reconocen o se han legitimado, institucionalmente, como formas válidas de abstracción geométrica y cuáles no.     

El proyecto A veces las cosas funcionan por las razones equivocadas, presenta un par de piezas pertenecientes a Construcciones geométricas y varios ejemplos de la serie Construcciones modulares, iniciada en el 2016. Esta serie más reciente se distingue de la primera en su articulación por medio de módulos, como es sugerido en su título. Mientras que en Construcciones modulares hay unidad en la estructura, las piezas de Construcciones modulares se componen de distintas partes, dos o más módulos. Este tipo de ensamble puede enfatizar la irregularidad de las obras, como sucede con Construcción modular No. 26 (2019) – otro trabajo que puede evocar la producción de Azurdia. Esta irregularidad del “lienzo”, por así decirlo, se vuelve a relacionar con el trabajo de Stella. Su construcción a partir de módulos también recuerda el pronunciado interés del artista norteamericano por lograr una nueva relación, radical, entre la pintura y la arquitectura.[2] Sin duda, Escobar ha utilizado varias de las Construcciones modulares que se presentan en esta exposición para ahondar en intereses pictóricos y, así, situar este proyecto como uno dedicado de manera decidida a la pintura. Prueba de esto son un par de trabajos que acercan las formas geométricas al terreno del monocromo: Construcción modular No. XX y, principalmente, la pieza número XX.

Escobar también incluye en este proyecto un par de piezas, Construcción geométrica No. 17 y Construcción geométrica No. 18 (2021), que se distinguen de manera sustancial al resto de las dos series discutidas en el sentido de que representan un (doble) regreso al objeto. En primer lugar, un regreso a la producción temprana del artista centrada en la producción de objetos de aspecto cotidiano. En la práctica de Escobar, el objeto apropiado o encontrado es casi inexistente. Construcción geométrica No. 17 y 18 no eran parte de la caja de un camión de redilas, con cierta historia, marcas o rasgos materiales, pero sí se relacionan a este referente de manera concreta. Prácticamente, podrían ser funcionales sobre un vehículo. Son la evidencia del interés de Escobar en la vida cotidiana, sus objetos o eventos estéticos y el papel medular que juegan en la definición de su obra. En este caso son la muestra del punto de partida de las series que se presentan. Este par de piezas refuerzan lo dicho por Rosina Cazalli sobre la relación del artista con el mundo de las cosas: “su quid es reconocerles en su cotidianidad y en su capacidad de proponer ordenes nuevos de utilización” (7). Por otro lado, este regreso al objeto también se manifiesta, a través de Construcción geométrica No. 18, en la incorporación de una obra de carácter escultórico a dicha serie. Esta pieza tridimensional, no obstante, es indisoluble de la pintura. No solo es escultura sino también especie de mural transportable o, como se diría en la jerga moderna, escultopintura. El diálogo que establece con las soluciones pictóricas presentes en algunas obras de Construcciones geométricas y modulares no se limita a la aplicación de un diseño sobre las superficies de la escultura. También se presenta en términos formales. Construcción geométrica No. 18 reitera el interés del artista en la presencia de la diagonal y los desfases y cómo marcan quiebres, enfatizan irregularidad y evocan dinamismo.

Finalmente, como parte de A veces las cosas funcionan por las razones equivocadas, se decidió incluir una pieza de la serie Crash (iniciada en el 2009) que consiste en defensas de automóviles chocados que son cromadas por el artista. Esta aplicación puede ubicar a esta serie, hasta cierto punto, en el terreno de lo pictórico aunque se trate claramente de un conjunto de objetos tridimensionales, con un fin escultórico. Estas partes automotrices dañadas son la excepción del objeto encontrado en la producción de Escobar. No obstante, su nueva superficie en cromo los transforma, los hace ver nuevos y resplandecientes. La historia particular de cada pieza se difumina hasta cierto punto. Crash XXI (2019) se colocó en el área de la recepción junto a dos Construcciones modulares, específicamente el par que cuenta con una solución que se acerca más a una superficie monocromática, con cuadros amplios y regulares de color negro. Sin buscar incidir de lleno en el conjunto de la exposición que se encuentra en el espacio propiamente de la galería, el encuentro de la escultura cromada con el par de pinturas permite entablar ciertas conexiones entre estas dos series de Escobar que, en apariencia, resultan diametralmente distintas. Además de las consideraciones pictóricas que han sido señaladas, se debe mencionar el interés del artista desde inicios de su carrera en los flujos globales de objetos, bienes culturales o imágenes. En este sentido, las piezas en cuestión aluden a dos momentos dentro de un circuito circulación. Por un lado, uno que se relaciona con el movimiento y constante desplazamiento de un sinnúmero de mercancías (que viajan en este tipo de camiones) y otro que representa las imprevisibles fallas, los eventos y accidentes que permiten recordar la fragilidad de estructuras que, por lo general, se perciben como infalibles e inexorables.      

Daniel Garza-Usabiaga—

Crítico de arte y curador 

Notas al pie:

1. Michael Auping, “The Phenomenology of Frank / “”Materiality and Gesture Make Space”. En Auping (ed.) Frank Stella. A Retrospective, New Heaven: Yale University Press, 2015, pp. 18-22

2. Alma Ruíz, “Donde la material se une al mito”. En Rosa Olivares (ed.) Darío Escobar. Ensayos dispersos. Madrid, EXIT, 2019. p. 97-98

3. Margarita Azurdia utiliza el término “formas-colores” en el texto del catálogo de su obra para la X Bienal de Sao Paolo, firmado como Margot Fanjul: “Margot Fanjul – Guatemala, átomo, tríptico, tótem, persona, lotus” (1969). Impreso en Margarita Azurdia. Todo es una. Guatemala: Milagro de amor, 2020. p 28 https://issuu.com/ximenachapero/docs/margarita_azurdia

4. Alma Ruíz, “Entrevista con Darío Escobar”. En Darío Escobar. Ensayos dispersos  p. 114

5. Laura A. L. Wellen, “Incorrect Grammar. Conversations with Darío Escobar”. En Dario escobar. The Life of the Object, Seattle: Lucia / Marquand, 2017, p., 158

6. En una serie sin titular más reciente, iniciada en el 2018, Escobar avanza de manera pronunciada esta investigación entre pintura, arquitectura y situación espacial.

7. Rosina Cazali, “Fin´amors, por los objetos”, En Darío Escobar. Ensayos dispersos  p. 31