Karina Aguilera Skvirsky   (Rhode Island, EUA, 1967)

Karina Aguilera Skvirsky es una artista multidisciplinar ecuatoriana y judía-estadounidense que reside en Nueva York. A través del video, el performance y la fotografía, su práctica explora cuestiones más amplias como el lugar, la identidad y la nacionalidad. Sus principales temas de interés son la abstracción, la política, el humor, el feminismo y la historia. Con su trabajo, ha explorado temas sociales como la diáspora africana, las complejidades de la indigeneidad y los legados del colonialismo.

Su obra se ha expuesto internacionalmente en exposiciones colectivas e individuales en galerías y museos de renombre, entre los que destacan: Museo de la Ciudad, Cuenca, Ecuador (2021), Photoville, The Clemente, NY, EUA (2021), Museo Amparo, Puebla, MX (2019), Centro de la imagen, CDMX (2018), The Deutsche Bank NY, EUA (2018), Ponce + Robles Gallery, Madrid, España (2017), The Institute of Contemporary Art, Filadelfia, PA (2016), Instituto Cervantes, Roma, Italia (2013), The Montclair Art Museum, Montclair, NJ, EUA (2013), The Aldrich Contemporary Art Museum, CT, EUA (2007), El Museo del Barrio, NY, EUA (2006) y Sara Meltzer Gallery, NY, EUA (2006).

A lo largo de su carrera, ha sido reconocida con diversas becas de como Anonymous Was A Woman (2019), The National Association of Latino Arts & Culture (2018), Jerome Foundation Fellowship (2015), Fulbright Scholar Program (2015), Puffin Foundation, Teaneck, NJ (2006), entre otras.

Actualmente vive y trabaja entre Nueva York y Ecuador.

Matthias Bitzer   (Stuttgart, Alemania, 1975)

La obra de Matthias Bitzer es poética y enigmática al conjugar la pintura figurativa con la abstracción y las geometrías ornamentales. Su pasión por la literatura, la poesía y la ciencia resultan en una red óptica que conecta las brechas de nuestra percepción del tiempo y el espacio. Su fuente de inspiración deriva de una amplia gama de personajes históricos a menudo olvidados, incluyendo a Emily Dickinson.

El lenguaje artístico único de Bitzer se basa en temas formales y conceptuales que divergen entre la abstracción y la figuración. Toma de referente a artistas de los siglos XIX y XX como Lászlò Moholy Nagy u Oskar Schlemmer. No obstante, su trabajo va más allá de lo que exploraron sus antecesores.

Bitzer despliega una nueva perspectiva sobre el modernismo al crear un cosmos visual que sumerge al espectador en un mundo de figuración, patrones geométricos, imágenes superpuestas y abstracción. En este sentido, Bitzer se preocupa por la identidad como una postura existencialista constantemente revelando la fragilidad de lo que tomamos como "verdad".

Actualmente vive y trabaja en Berlín, Alemania.

Galia Eibenschutz  (Ciudad de México, México,1970)

Galia Eibenschutz es una artista multidisciplinaria, desarrolla su trabajo entre las artes escénicas y visuales. El eje rector de su práctica es el cuerpo humano: su forma, mecánica y límites, pero también su presencia en el espacio y en relación al espectador.

Estudió Artes visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y una maestría en DasArts, Ámsterdam. Su Laboratorio de dibujo y movimiento, que ha impartido en diferentes universidades y centros de arte de México y Estados Unidos, es parte fundamental de su práctica, al igual que la colaboración con artistas de diferentes disciplinas.

Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la Colección Museo Carrillo Gil, Colección Jumex y Colección Casa Wabi. Fue seleccionada como coreógrafa por la Fundación Mcknight (2019) y como artista comisionada para la 15 Bienal FEMSA (2024). Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México.

Gertrud Goldschmidt  (Hamburg, Alemania, 1912 - Caracas, Venezuela, 1994)

Gego (Gertrud Goldschmidt) estudió arquitectura e ingeniería en la Escuela Técnica de Stuttgart, Alemania, donde se formó bajo la tutela del arquitecto Paul Bonatz, siguiendo los modelos planteados por la Bauhaus y el Constructivismo Ruso. En 1939, debido a la persecución del régimen nazi, la artista migró a Venezuela, estableciéndose en Caracas.

En su nuevo país de residencia, Gego se dedicó al diseño, elaboración de muebles y desarrollo de proyectos arquitectónicos. Además, dio inicio a una larga carrera docente que la llevaría a ser una de las fundadoras y profesoras del Instituto de Diseño de la Fundación Neumann (Caracas) en 1964. Fue en la década de 1950 que profundiza su práctica artística, primero de corte figurativo y expresionista, y después —ya en diálogo con artistas cinéticos como Alejandro Otero y Jesús Rafael Soto— de corte escultórico, con la acción, la participación del espectador y el movimiento como principios clave de producción.

Su trabajo se caracteriza por la experimentación en el espacio con la línea, la unidad más elemental del dibujo, así como por el innovador uso de la retícula, forma relacionada íntimamente con la abstracción en el arte moderno. En 1969, Gego exhibió Reticulárea en el Museo de Bellas Artes de Caracas, instalación capital de la historia del arte. Es un ensamblaje de piezas modulares de acero y aluminio que construyen una vasta estructura en apariencia orgánica, pero cuya experiencia está marcada por la ruptura de los espacios en los que se encuentran.

Hilma's Ghost   (Brooklyn, EUA, 2020)

Hilma's Ghost es un colectivo artístico feminista cofundado por las artistas y educadoras Sharmistha Ray y Dannielle Tegeder en el punto álgido de la pandemia, en 2020. La esencia de su colaboración artística radica en el reconocimiento del misticismo como fuente de sabiduría colectiva que ha fomentado la resiliencia personal y despertado el ingenio estético de mujeres artistas de todas las épocas.

A través de exposiciones, talleres y publicaciones, el colectivo forja conexiones entre artistas y sanadores, innovando prácticas novedosas y liberadoras adaptadas a las mujeres, artistas no binarios y trans de la era contemporánea. En los últimos dos años, Hilma's Ghost ha cultivado iniciativas que defienden métodos de enseñanza experimentales, el diálogo transcultural y el andamiaje de comunidades, todo ello a través del prisma del feminismo, la abstracción geométrica y la espiritualidad.

Entre sus exposiciones individuales y colectivas y proyectos más recientes figuran Radical Spirits: Tarot Automatism, and Feminist Histories en el Hill-Stead Museum, Connecticut, EUA. (2022); Enchantments: Bottled Devotionals of Divine Feminine Spirits en el Aldrich Contemporary Art Museum, Connecticut, EUA. (2024); Queer histories en el Museu de Arte de São Paulo, Brasil (2024); Chromatic Altar en el Guggenheim Museum, Nueva York, EUA. (2024); y la próxima exposición La hora de la estrella en la Galería RGR, Ciudad de México, México (abril de 2025).

Ray y Tegeder trabajan juntos en Brooklyn, Nueva York.

Jeppe Hein   (Copenhague, Dinamarca, 1974)

Jeppe Hein estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca y en la Städelschule en Frankfurt. Es ampliamente reconocido por su producción de piezas experimentales e interactivas, que se desenvuelven en un cruce entre arte, arquitectura y la invención de procesos técnicos.

El trabajo del artista danés, es único por su simpleza formal y notable por su uso frecuente del humor. Su trabajo plantea un diálogo vivo con la tradición de la escultura minimalista y el arte conceptual de los setenta. Las piezas de Jeppe Hein a menudo incorporan elementos sorpresivos y cautivadores, que colocan al espectador en el centro de situaciones y dirigen tanto su experiencia como su percepción hacia el espacio circundante.

La influencia de movimientos artísticos conceptuales en la obra de Jeppe Hein se puede ver en proyectos como One Wish for You (2020), en el cual creó globos que, si bien parecen hechos de plástico e inflados por helio, en realidad fueron realizados con fibra de vidrio, laca cromada y un imán que sostiene los objetos al techo del espacio. La ambigüedad material de la pieza recae en la naturalidad con la que se mueve el globo ante la brisa más sutil y el proceso técnico por el cual fue creado, algo que le permite a Jeppe Hein mostrar cómo nuestro entendimiento o percepción de los objetos que vemos todos los días se encuentran más en una valoración subjetiva que en su materialidad misma. A su vez, la distorsión del espacio que se puede ver en la superficie de los globos reafirma la idea que nuestra mirada está bajo una transformación constante.

Actualmente vive y trabaja en Berlín, Alemania

Magali Lara   (Ciudad de México, México, 1956)

Magali Lara es egresada de la carrera de Artes Visuales para la Expresión Plástica por la Universidad de Guadalajara y cuenta con la Maestría en Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Con más de 40 años de trabajo, la artista visual, gestora y académica ha desarrollado una práctica multidisciplinaria que explora temas relacionados al inconsciente, la cotidianidad, las emociones, el cuerpo, lo femenino y la otredad.

Influenciada por las mujeres pintoras de la escuela mexicana, como María Izquierdo, Olga Costa y Frida Kahlo, Magali Lara retomó el gusto por la naturaleza muerta, los objetos y las atmósferas oníricas. Estos elementos son empleados para componer un lenguaje simbólico único que ha llevado a los campos de la animación, el dibujo, la escritura, la cerámica, el libro de artista, la pintura y el textil. Principalmente asociada con el arte conceptual, Magali Lara ha sido constante con una “poética” que habla sobre el cuerpo, la intimidad, el deseo, la maternidad, la infancia, la sexualidad y la cotidianidad; todo ello desde una perspectiva de “feminidad” que reconoce como inexorable. Partir desde lo cotidiano y lo visceral del cuerpo humano le permite hacer un comentario sobre la condición humana, algo que la artista considera esencial en la función social del arte.

Desde los años noventa trabaja en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Morelos. Actualmente forma parte del Cuerpo Académico de la Maestría en producción de arte, y participa como jurado en varias bienales y fomentos a la producción artística y como asesora de planes de estudio en diversas instituciones de educación artística. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores FONCA, al cual accedió por séptima ocasión en 2020-2023. En 2019 recibió la medalla al Mérito en Artes por parte del Congreso de la Ciudad de México y en 2024 fue acreedora a la Medalla Bellas Artes del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura en México.

Actualmente vive y trabaja en Cuernavaca, México.

Felipe Pantone   (Buenos Aires, Argentina, 1986)

Comenzó su práctica desde que era un adolescente, haciendo pintas en Torrevieja, al sur de España. La caligrafía y la tipografía, enfoque fundamental del grafiti, fueron la plataforma desde donde el artista emprendió el desarrollo de un lenguaje visual abstracto o geométrico que pretende ser tanto accesible como democrático, de forma paralela al discurso tecnológico actual. Su trabajo mantiene una conexión histórica con los medios de producción actuales y con los referentes visuales de la sociedad hiperconectada y digitalizada. Su obra es una meditación sobre las formas en que consumimos información visual en los tiempos actuales.

La abstracción, en principio utilizada como marca estilística, se vierte hacia los referentes propios de un presente repleto de infografías, gráficas, estadísticas y representaciones visuales de datos que sintetizan realidades en formatos rápidamente asequibles. Con ello, Pantone reflexiona sobre los alcances de la revolución digital y de la comunicación global en la constitución del sujeto contemporáneo. En este dinámico y acelerado mundo de producción industrial con luz, color y experiencias visuales antes imposibles, Pantone reconoce combinaciones cromáticas —como el glitch o falla tecnológica— como experiencias visuales que están vinculadas a la cultura contemporánea. El resultado es un lenguaje que se mueve entre la tecnología y las bellas artes, llevado a diversas aplicaciones.

Entre sus instalaciones públicas más destacadas se encuentran los murales comisionados por el Palais de Tokyo de París, Francia; el mosaico de la Universidad Politécnica de Valencia, España; los murales en dos edificios del Tecnológico de Monterrey, México; el mural Optichromie de la Albright-Knox Art Gallery de Búfalo, EUA y el mural 300,000 Km/s en la avenida Faria Lima de São Paulo, Brasil.

Actualmente vive y trabaja en Valencia, España.

Oswaldo Vigas   (Valencia, Venezuela, 1923 - Caracas, Venezuela, 2014)

Oswaldo Vigas es un artista venezolano reconocido como pintor y muralista, sin embargo, su obra abarcó pintura, escultura, impresión, dibujo, cerámica y tapiz. Predominantemente reconocido como artista autodidacta, Vigas rechazó las corrientes artísticas de su entorno y en su lugar optó por construir su lenguaje artístico, inspirado en lo mágico, lo mítico y lo telúrico del imaginario latinoamericano, una tendencia que sería el hilo conductor de su obra.

En 1954 Vigas representó a Venezuela en la Bienal de Venecia. En 1992 participó en el XXVI Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Mónaco, recibiendo el primer premio, y en 1999, la Feria Iberoamericana de Arte FIA lo eligió como el artista galardonado. Oswaldo Vigas falleció en Caracas en 2014 a la edad de 90 años.

En la actualidad sus obras son parte de las colecciones de instituciones públicas importantes como el Museum of Fine Arts, Houston; el San Francisco Museum of Modern Art; el Art Museum of the Americas, OAS, en Washington, D.C.; el Musée Des Beaux Arts D’Angers, y el Musée Des Beaux-Arts en Reims; el Museo de Arte Moderno de Bogotá; el Museo Nacional de Bellas Artes en Santiago de Chile, entre otros; así como de numerosas e importantes colecciones privadas de todo el mundo.

Pedro Zylbersztajn (São Paulo, Brasil, 1993)

From the interactions between drawing, writing, editing, publishing, performing, collecting and sounding, the artistic practice of Pedro Zylbersztajn investigates the circular relationship between image, language, protocols of everydayness, technology, and authority. His research employs strategies of reading with the intention of defamiliarizing the way in which commonplace devices are used to build and enforce specific (and sometimes violent) relations between the different realities that surround us. With that, he seeks to create altered relational spaces, which are more reliant on ambiguity and negotiation.

Zylbersztajn holds a Master’s degree from the MIT Program in Art, Culture, and Technology (USA), and was a Postgraduate Fellow at the Art by Translation research program (France, 2019-2021). He has participated in exhibitions, fairs, panels, and publications internationally, among which is the solo show As if i were the photographer: Carlos Amadeu Gouvêa, 1971 (Casamata, Rio de Janeiro, 2016), the performance brickwork (Americas Society Visual Arts, New York, 2018); and the group exhibitions Trembling Thinking (Americas Society, NY, 2018) and Time Capsule 2045 (Palais des Beaux-arts de Paris, FR, 2021, Musée d’Art et Histoire de Genève, CH, 2022). He was also part of the 2022 FRONT Triennial, Cleveland, and the 12th São Paulo International Architecture Biennial (CCSP, 2019).

More recently, his artistic practice seeks to expand toward collective environments in which the sense of shared responsibilities overrides authorial intentions. Currently, is co-editor -in collaboration with the Index Literacy Programme- of a publication titled Indexing Imaginaries (DATA Browser/Open Humanities Press, 2022), which explores the concept of indexing as a form of power. He is involved in the micro-histórias initiative at Casa do Povo (SP), which focuses on researching institutional history and he is the coordinator of a multidisciplinary research group called Disposições Infraestruturais, which delves into issues related to art, architecture, and planetarity.

He currently lives and works in São Paulo, Brazil.