Karina Aguilera Skvirsky (Rhode Island, EUA, 1967) es una artista multidisciplinar ecuatoriana y judía-estadounidense que reside en Nueva York. A través del video, el performance y la fotografía, su práctica explora cuestiones más amplias como el lugar, la identidad y la nacionalidad. Sus principales temas de interés son la abstracción, la política, el humor, el feminismo y la historia. Con su trabajo, ha explorado temas sociales como la diáspora africana, las complejidades de la indigeneidad y los legados del colonialismo.

Su obra se ha expuesto internacionalmente en exposiciones colectivas e individuales en galerías y museos de renombre, entre los que destacan: Museo de la Ciudad, Cuenca, Ecuador (2021), Photoville, The Clemente, NY, EUA (2021), Museo Amparo, Puebla, MX (2019), Centro de la imagen, CDMX (2018), The Deutsche Bank NY, EUA (2018), Ponce + Robles Gallery, Madrid, España (2017), The Institute of Contemporary Art, Filadelfia, PA (2016), Instituto Cervantes, Roma, Italia (2013), The Montclair Art Museum, Montclair, NJ, EUA (2013), The Aldrich Contemporary Art Museum, CT, EUA (2007), El Museo del Barrio, NY, EUA (2006) y Sara Meltzer Gallery, NY, EUA (2006).

A lo largo de su carrera, ha sido reconocida con diversas becas de como Anonymous Was A Woman (2019), The National Association of Latino Arts & Culture (NALAC, (2018), Jerome Foundation Fellowship (2015), Fulbright Scholar Program (2015), Puffin Foundation, Teaneck, NJ (2006), entre otras.

Actualmente vive y trabaja entre Nueva York y Ecuador.

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Mercedes Azpilicueta (La Plata, Argentina, 1981) es una artista conocida por sus obras basadas en el lenguaje que se autodenomina investigadora deshonesta.

A través de un amplio trabajo de investigación, desde la historia del arte a la música popular, de la literatura a la cultura callejera, reúne a diversos personajes del pasado y del presente, y refleja sus trayectorias disidentes incluyendo sus voces, formas, textos, huellas y recuerdos en una obra de múltiples capas. Lejos de caer en la fría reverencia o en la fascinación archivística, su obra aborda con éxito el cuerpo con todos sus defectos y potencialidades y abraza su fragilidad, así como su capacidad de resistencia y cuidado.

La práctica de Azpilicueta ha evolucionado recientemente hacia la exploración de las posibilidades teatrales de la escultura y la instalación. Disfrazadas de esculturas, sus piezas no deben darse por sentadas, ya que siempre tienen el potencial de ser activadas de diversas maneras como partituras, escenografías, accesorios, dispositivos mnemónicos o registros.

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La obra de Matthias Bitzer (Stuttgart, Alemania, 1975) es poética y enigmática al conjugar la pintura figurativa con la abstracción y las geometrías ornamentales. Su pasión por la literatura, la poesía y la ciencia resultan en una red óptica que conecta las brechas de nuestra percepción del tiempo y el espacio. Su fuente de inspiración deriva de una amplia gama de personajes históricos a menudo olvidados, incluyendo a Emily Dickinson.

El lenguaje artístico único de Bitzer se basa en temas formales y conceptuales que divergen entre la abstracción y la figuración. Toma de referente a artistas de los siglos XIX y XX como Lászlò Moholy Nagy u Oskar Schlemmer. No obstante, su trabajo va más allá de lo que exploraron sus antecesores.

Bitzer despliega una nueva perspectiva sobre el modernismo al crear un cosmos visual que sumerge al espectador en un mundo de figuración, patrones geométricos, imágenes superpuestas y abstracción. En este sentido, Bitzer se preocupa por la identidad como una postura existencialista constantemente revelando la fragilidad de lo que tomamos como "verdad".

Actualmente vive y trabaja en Berlín, Alemania.

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A través de una práctica a menudo subversiva e informal, Marcelo Cicade (São Paulo, Brasil, 1979) cuestiona los ideales de la arquitectura modernista, se apropia de los espacios urbanos y, mediante diversas operaciones estéticas, inventa nuevos lenguajes, construyendo espacios frescos y sorprendentes.

El vínculo íntimo que, para Cidade, une el arte y la vida autoriza al artista a explorar el flujo continuo y oscilante entre la esfera social y la personal. Comparando relaciones y valores sociales establecidos, Cidade crea obras que expresan conflictos sociales complejos y lleva señales y situaciones de la calle a espacios artísticos. La obra del artista enfatiza el encuentro entre arte y sociedad, sin dejar de lado la discusión sobre el lenguaje.

Uno de los intereses de Cidade es el espacio público generado en el flujo urbano y tecnológico de la sociedad de vigilancia. La ciudad es el lugar privilegiado de los acontecimientos, y es aquí donde el artista busca sus materiales de trabajo. Calles, muros, pasos elevados, plazas, y contraventanas son un desafío para su mirada.

Actualmente vive y trabaja en São Paulo, Brasil.

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Sheila Hicks (Hastings, EUA, 1934) recibió una licenciatura y una maestría en bellas artes de la Escuela de Arte de Yale. Con una beca Fulbright para pintar en Chile, fotografió a tejedores indígenos y sitios arqueológicos en los Andes, iniciando una investigación sobre la fibra como medio artístico que continúa hasta el día de hoy.

Las primeras exposiciones de tejido de Hicks tuvieron lugar en la Galería Antonio Souza y el Instituto de Arte de Chicago. Siguieron numerosas exposiciones individuales en la Galerie Bab Rouah, Rabat, Marruecos, el Museo Stedelijk, Lunds Konsthall y muchos más. Una retrospectiva importante, Sheila Hicks: 50 Years, debutó en Addison Gallery of American Art y viajó al Instituto Comtemporaneo de Arte de Filadelfia así como al Museo Mint.

Hicks ha creado obras monumentales específicas para la sede de la Fundación Ford, el Tribunal Federal de Nueva York, el Fondo Duke Endowment, la Universidad King Saud y el Instituto de Estudios Avanzados de Princeton, entre otros.

Reside y trabaja en París desde 1964.

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Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2005) fue una figura influyente y central del modernismo de posguerra. Participó en la exposición colectiva Le mouvement (1955), en la Galería Denise René de París, uno de los momentos fundacionales de aquel estilo. Durante su carrera, desempeñó un papel crucial en la redefinición del alcance y función social de la obra de arte a partir de la investigación de la unidad espacio-temporal del objeto plástico.

Habiendo estudiado Bellas Artes en Caracas, se instaló en París en 1950, donde formó parte del grupo internacional de artistas que buscaban renovar la escena del arte experimental. Si bien ha sido comúnmente asociado con el Op art, la obra de Soto se caracteriza más bien por el continuo estudio del movimiento y la desmaterialización de la forma, produciendo construcciones de carácter cinético en las cuales la participación activa del espectador se vuelve clave.

En 1958 comenzó Vibraciones, obras realizadas a partir de la superposición en varios planos de tramas y objetos móviles que crean infinitas posibilidades de vibraciones y variaciones. Soto logró crear obras accesibles a todas las personas, sin marcar las diferencias de edad o capital cultural del espectador, apelando a la experiencia misma del sujeto en relación al objeto artístico.

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Magali Lara (Ciudad de México, Mexico, 1956) es egresada de la carrera de Artes Visuales para la Expresión Plástica por la Universidad de Guadalajara y cuenta con la Maestría en Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Con más de 40 años de trabajo, la artista visual, gestora y académica ha desarrollado una práctica multidisciplinaria que explora temas relacionados al inconsciente, la cotidianidad, las emociones, el cuerpo, lo femenino y la otredad.

Influenciada por las mujeres pintoras de la escuela mexicana, como María Izquierdo, Olga Costa y Frida Kahlo, Magali Lara retomó el gusto por la naturaleza muerta, los objetos y las atmósferas oníricas. Estos elementos son empleados para componer un lenguaje simbólico único que ha llevado a los campos de la animación, el dibujo, la escritura, la cerámica, el libro de artista, la pintura y el textil. Principalmente asociada con el arte conceptual, Magali Lara ha sido constante con una “poética” que habla sobre el cuerpo, la intimidad, el deseo, la maternidad, la infancia, la sexualidad y la cotidianidad; todo ello desde una perspectiva de “feminidad” que reconoce como inexorable. Partir desde lo cotidiano y lo visceral del cuerpo humano le permite hacer un comentario sobre la condición humana, algo que la artista considera esencial en la función social del arte.

Desde los años noventa trabaja en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Morelos. Actualmente forma parte del Cuerpo Académico de la Maestría en producción de arte, y participa como jurado en varias bienales y fomentos a la producción artística y como asesora de planes de estudio en diversas instituciones de educación artística. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores FONCA, al cual accedió por séptima ocasión en 2020-2023. En 2019 recibió la medalla al Mérito en Artes por parte del Congreso de la Ciudad de México.

Actualmente vive y trabaja en Cuernavaca, México.

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La práctica multidisciplinaria de Francisco Muñoz (Tlaxcala, México, 1986) incluye escultura, dibujo, collage, pintura, textiles e instalación. Se formó como artista en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda, Ciudad de México, y posteriormente en la Escuela Nacional de Bellas Artes, Lyon, como parte de una estancia artística. Su obra se sitúa entre el cuestionamiento y el análisis de las identidades nacionales, sobre todo en términos estéticos. El artista es originario de Tlaxcala, lugar crucial en el imaginario producido por la historia oficial de México en cuanto al periodo de la Conquista. Por medio de esta posición, Muñoz se aproxima a las imágenes y símbolos de lo precolombino como parte de los discursos del presente que son necesarios explorar y cuestionar.

Uno de los ejes principales de su obra es la relación que tienen los objetos con distintos contextos y cómo se pueden reordenar sus significados mediante modificaciones materiales, asociaciones conceptuales o intervenciones con pintura. Las posibilidades que representa la adaptación de los objetos a diferentes ámbitos son clave para la práctica de Muñoz: la identidad de cada pieza parte de la multiplicidad, del encuentro entre sus significados “de origen” y aquellos que asimila, tanto en el proceso de la labor artística como en el punto de encuentro con sus espectadores. Este sincretismo conecta directamente lo conceptual con lo material, línea sobre la cual se desenvuelve su obra. El trabajo de Muñoz se encuentra en la Colección Alain Servais (Bélgica) y en diversas colecciones privadas en México.

Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México.

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La práctica multidisciplinaria de Diego Pérez (Ciudad de México, Mexico, 1975) juega continuamente con lo fronterizo, sean los límites que dividen al arte de otro tipo de objetos, los que dividen al arte del gran público, o los que separan contemplación de experimentación. El artista articula una imaginación escultórica en la que todo material es fuente inagotable de formas, cuyas relaciones no se acaban en la obra, sino que se extienden hacia el entorno y el espectador.

Iniciando su carrera en el campo de la fotografía, Pérez se ha orientado hacia la vida pública de los objetos, fomentando, no sin un cierto grado de humor y afinidad por la fantasía, un cuestionamiento sobre las relaciones sociales que le dan a las obras algún significado. Es en la cotidianidad donde una silla se convierte en una repisa, o donde una caja se transforma en una maceta; la frontera arte-vida se constituye y se deshace en la coyuntura de espacio público, obra y espectador.

Para Pérez, es importante echar a andar la imaginación y el ensueño, pues es ahí donde se produce el contacto entre campos en apariencia separados; entre artista, artesano, conocedor de arte, observador casual, y así sucesivamente.

Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México.

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Felipe Pantone (Buenos Aires, Argentina, 1986) comenzó su práctica desde que era un adolescente, haciendo pintas en Torrevieja, al sur de España. La caligrafía y la tipografía, enfoque fundamental del grafiti, fueron la plataforma desde donde el artista emprendió el desarrollo de un lenguaje visual abstracto o geométrico que pretende ser tanto accesible como democrático, de forma paralela al discurso tecnológico actual. Su trabajo mantiene una conexión histórica con los medios de producción actuales y con los referentes visuales de la sociedad hiperconectada y digitalizada. Su obra es una meditación sobre las formas en que consumimos información visual en los tiempos actuales.

La abstracción, en principio utilizada como marca estilística, se vierte hacia los referentes propios de un presente repleto de infografías, gráficas, estadísticas y representaciones visuales de datos que sintetizan realidades en formatos rápidamente asequibles. Con ello, Pantone reflexiona sobre los alcances de la revolución digital y de la comunicación global en la constitución del sujeto contemporáneo. En este dinámico y acelerado mundo de producción industrial con luz, color y experiencias visuales antes imposibles, Pantone reconoce combinaciones cromáticas —como el glitch o falla tecnológica— como experiencias visuales que están vinculadas a la cultura contemporánea. El resultado es un lenguaje que se mueve entre la tecnología y las bellas artes, llevado a diversas aplicaciones.

Entre sus instalaciones públicas más destacadas se encuentran los murales comisionados por el Palais de Tokyo de París, Francia, el mosaico de la Universidad Politécnica de Valencia, España, los murales en dos edificios del Tecnológico de Monterrey, México, el mural Optichromie de la Albright-Knox Art Gallery de Búfalo, EUA y el mural 300,000 Km/s en la avenida Faria Lima de São Paulo, Brasil.

Actualmente vive y trabaja en Valencia, España.

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A partir de las interacciones entre dibujar, escribir, editar, publicar, interpretar, coleccionar y sonorizar, la práctica artística de Pedro Zylbersztajn (São Paulo, Brasil, 1993) investiga la relación circular entre imagen, lenguaje, protocolos de cotidianidad, tecnología y autoridad. Su investigación emplea estrategias de lectura con la intención de desfamiliarizar el modo en que los dispositivos habituales se utilizan para construir e imponer relaciones específicas (y a veces violentas) entre las distintas realidades que nos rodean. Con ello, busca crear espacios relacionales alterados, que dependan más de la ambigüedad y la negociación.

Zylbersztajn tiene un máster del MIT Program in Art, Culture, and Technology (Estados Unidos), y fue becario de posgrado en el programa de investigación Art by Translation (Francia, 2019-2021). Ha participado en exposiciones, ferias, paneles y publicaciones a nivel internacional, entre las que se encuentra la muestra individual As if i were the photographer: Carlos Amadeu Gouvêa, 1971 (Casamata, Río de Janeiro, 2016), el performance brickwork (Americas Society Visual Arts, Nueva York, 2018); y las exposiciones colectivas Trembling Thinking (Americas Society, NY, 2018) y Time Capsule 2045 (Palais des Beaux-arts de París, FR, 2021, Musée d’Art et Histoire de Genève, CH, 2022). También formó parte de la Trienal FRONT 2022, Cleveland, y de la 12ª Bienal Internacional de Arquitectura de São Paulo (CCSP, 2019).

Más recientemente, su práctica artística busca expandirse hacia entornos colectivos en los que el sentido de las responsabilidades compartidas anula las intenciones autorales. Actualmente, es coeditor -en colaboración con el Index Literacy Programme- de una publicación titulada Indexing Imaginaries (DATA Browser/Open Humanities Press, 2022), que explora el concepto de indexación como forma de poder. Participa en la iniciativa micro-histórias de Casa do Povo (SP), centrada en la investigación de la historia institucional, y es coordinador de un grupo de investigación multidisciplinar llamado Disposições Infraestruturais, que profundiza en cuestiones relacionadas con el arte, la arquitectura y la planetaridad.

Actualmente vive y trabaja en São Paulo, Brasil.

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